Moda, Arte e Viagem por Naura Cox

O Encanto do Artesanato Nordestino

Nas Criações de Almerinda Maria

Almerinda Maria Bezerra nasceu em Arneiroz um município do Estado do Ceará localizado na micro região do Sertão do Inhamuns.

Iniciou sua trajetória nos anos 1980. Filha de costureira, sempre teve essa profissão como vocação e dedicou-se a resgatar a cultura nordestina e transforma-la em Moda.

No Início, fazia seus trabalhos com renda de bilro e crochê. Com o passar do tempo sentiu necessidade de utilizar material que pudesse ser associado a alta costura.

Foi então que ela passou a usar a renda renascença dando um ar mais sofisticado e de luxo as suas criações.

Suas criações são verdadeiras obras de arte e sempre com foco no artenato.

Detalhes do Richelieu agora tão em alta no verão Europeu 2025.

A marca Almerinda Maria conta com uma Equipe de Estilo que leva em consideração as demandas das Clientes.

Com o compromisso incomparável para com o artesanato nordestino, Almerinda Maria Bezerra não apenas preserva as tradições antigas, mas as revitaliza com um toque contemporâneo e sofisticado.

“Uma breve história da origem da Renda Renascença e do bordado Richelieu”

Bordado Richelieu 

O Bordado Richelieu é uma técnica de bordado recortado. O seu nome se deve ao Cardeal Richelieu, o principal ministro do Rei Luís XIII, da França.
Em tentativa de construir a economia francesa da época, Richelieu aplicou impostos em todas as importações e trouxe tecelões italianos de renda para a França para ensinar os artesãos locais. 
Com o tempo, a França se tornou líder na confecção de rendas.

O trabalho é identificado por pequenos laços nas barras do ponto caseado, conhecidos como picots.

Renda Renascença 

A Renda Renascença surgiu entre os séculos XV e XVI, tendo consagrado-se como símbolo artesanal italiano e com destaque para aplicação nos trajes masculinos.

Henrique II Rei da França, a usou excessivamente na composição de FRISE. Um colarinho rígido e plissado, para ocultar uma cicatriz no pescoço. Foi por conta disso que a renda conquistou a realeza e difundiu-se na época.
No século XIX com a ocupação dos conventos por religiosas francesas a arte da Renascença chegou ao nordeste do Brasil.
Por décadas, esse artesanato foi mantido em segredo, mas nos anos 1930 esse conhecimento chegou às mulheres mais humildes do sertão paraibano, transformando-se em grande patrimônio cultural nacional.

Tendências do Verão

Europeu 2025

A Primavera chegou no hemisfério norte e com ela as maiores tendências .

BOHO

Não foi surpresa para ninguém tendo em conta a quantidade de franjas que temos visto brilhar nos últimos anos.

Carregando a sua energia etérea há já algumas estações o Boho está novamente dominando as tendências, continuando o que já vimos a muito tempo.

Esta versão do BOHO é infinitamente mais chic do que dos anteriores.

Para complementar o estilo os acessórios são essenciais, de cintos statement a brincos enormes e pulseiras.

VESTIDOS BABY DOLL

O coquette tem vivido um grande momento, tanto nas passarelas como no mundo digital, com laços e rendas vestidos delicados.

FULL DENIM

Casual, fácil, cool e surpreendente chic: o full denim consegui livrar-se da sua reputação manchada dos anos 90 e regressa, nesta primavera, com uma cara rebocada.

O Bom, O Mal, O Vilão 

Nesta primavera, o estilo romântico vive na antítese entre o bem e o mal. Passamos a explicar: elementos como rendas, tules, transparências e flores.
Em constraste com cores escuras e sombrias como o vestido preto acima do Valentino.

Butter Yellow (amarelo manteiga)

As maiores marcas de moda elegeram um nova cor favorita para os meses que se avizinham: O Amarelo.Contudo não é um amarelo qualquer: è o “Butter Yellow“ um amarelo manteiga.

Polka Dots (as bolas)

Há quem diga que as bolas são padrão do verão e não poderíamos estar mais de acordo .Elegante, divertido , versátil e um motivo essencial em qualquer estação e permite criar looks altamente clássicas com  círculos de  diferentes tamanho e tons.

Laços XXL

Num reflexo de feminilidade e até de nostalgia, os laços tem nos acompanhado há já várias estações e habitualmente em versões mais delicadas.
Agora, contudo os laços assumem proporções gigantescas e uma faceta menos românticas.

Sportif

Há muito o vestuário desportivo deixou de pertencer somente ao ginásio e ao conforto de casa , ganhando agora um novo encanto :
O caráter cômodo ou pratico não é o que faz desta tendência , mas o seu “appeal” irreverente misturando referência e reinventando os seus elementos.

Desfiados

Para primavera, a moda sugere desconstruir: ou melhor , desfiar para criar.

Listras e Xadrez Vichy

A onipresença do xadrez fala mais de personalidade do que na sazonalidade algo imperativo no mundo atual. Tambem evoca o grunge e sua filosofia  “ venha como você é” a moda precisa ser bagunçada.

Arte e Moda:

Louvre Couture

Em mais de 200 anos de História, este ano o Museu do Louvre em Paris abre a primeira exposição dedicada a Moda. É um marco histórico para o mundo da Arte e da Moda.

Com mais de 9.000 metros quadrados, o Louvre convida os visitantes para um desfile de moda, ou melhor um passeio original, onde as silhuetas dos maiores costureiros se misturam com os tesouros do seu departamento de “Objets d’Arts”.

Com criações místicas, roupas e acessórios, emprestamos de 45 casas de moda como por exemplo: Cristobal Balenciaga, Karl Lagerfeld para a Chanel, Yohji Yamamoto e muitos outros interagem com peças de arte decorativa que continuam a inspirar os designers.

Acima um vestido Dior outono/inverno de 2018-2019, criado pela diretora de arte Maria Grazia Chiuri. Este vestido de seda contém não uma simples estampa mas homenageia as tapeçarias medievais do século XV, chamada Millefleurs (mil flores) por conta da predominância de motivos evocando flores e plantas que preenchem o fundo da cena retrata da na tapeçaria.

Acima um vestido Íris Van Herpen (outono /inverno 2018-2019) ele o chamou de Syntopia para sua coleção outono/inverno 2018-2019.

Jean Charles de Castelbajac( outono-inverno 2010-2011

Cristian Dior

Acima uma criação da Fendi flores em mosaico evocando motivos de pisos em palácios barrocos e renascentistas.

Acima Paco Rabanete, Balenciaga, Loewe e Gareth Pugh

Nos salões renascentistas, tapeçarias majestosas, cerâmicas envidraçadas e armaduras trabalhadas também desempenham o papel de cúmplice das peças do design.

A curadoria da exposição cria um diálogo entre as peças de alta costura e artefatos históricos e obras de arte do museu de Louvre.

Não há intinerário clássico, apenas um convite para passear. Os visitantes navegarão de uma era para outra, por capricho da inspiração.

Informações importantes sobre a Exposição:

Brasil! Brasil!
O Nascimento do Modernismo.

A Royal Academy of Arts, um dos museus mais nobres de Londres abriu a exposição “Brasil! Brasil! O Nascimento do Modernismo“.
A amostra reune mais de 130 obras das décadas de 1910 a 1970 de importantes artistas brasileiros.  São nomes que romperam com os padrões estéticos europeus da época e criaram uma arte moderna que celebra as culturas, as identidades e as paisagens do Brasil.

Anita Malfatti
Periodos (Modernismo, Expressionismo)

Nu Cubista número 1

Anita Catarina Malfatti, nasceu em São Paulo  em 02/12/1889. Ela é considerada a primeira artista brasileira a introduzir formas europeias  e americanas de modernismo no Brasil.

Mário de Andrade  (1922)

A Onda (1917)

A Exposição  individual de Anita Malfatti em São Paulo de 1917 a 1918, foi extraordinariamente controversa na época.

o japonês 

Seu estilo é tema expressionistas foram revolucionários para as expectativas artísticas bastante complacentes e antiquadas dos brasileiros que não estavam preparados para as influências que Malfatti traria ao país.

Tarsila do Amaral

Nasceu em 01 de setembro de 1886 em Capivara SP.

Tarsila do Amaral foi destaque na arte moderna brasileira, que de forma poética traduziu o colorido e a vitalidade da artista-mulher rompendo clichês artísticos e estereótipos dos papéis femininos de sua época.

O Lago 

Lagoa Santa ( 1925)

Favela 1925

Este quadro é da Fundação Edson  Queiroz 

O Mercado II

Cândido Portinari

Nasceu em Brodosque SP em 29 de dezembro de 1910. Pintor, gravador, ilustrador e professor.

Migrantes  1944

Portinari aborda a migração em larga escala de comunidades rurais do Nordeste do Brasil.

Colono (settler) 1934

trabalhador de café ( 1934)

Vicente do Rego Monteiro

1899-1970 (pintor,escultor,desenhista, ilustrador e artista gráfico)
Nasceu em Recife, mas em 1911 sua família mudoupara Paris onde estudou arte, mas com a chegada da primeira guerra mundial eles mudam o Rio de Janeiro.

“Minha pintura não poderia existir antes do cubismo que me legou as noções de construção, luz e formas” Rego Monteiro

O arqueiro (1925)

O arqueiro parece ser baseado em uma imagem do artista francês Jean-Baptiste Debret em uma visita ao Brasil trazido por Dom João VI.

A mulher no espelho

Sem titulo

Influências: Futurismo, Cubismo,a Arte Negra, a Arte da Ilha de Marajó 

Djanira da Motta e Silva (1914-1979)

Nasceu em Avaré - São Paulo, descendente de imigrantes australianos e neta de índios Guarani. Era pintora,desenhista, ilustradora e cenógrafa.  De 1945-47 morou em New York onde conheceu os surrealistas Juan Miro e Marc Chagal. Inspirações: Candomblé ( Bahia)   Indígenas do Maranhão 

Três Orixás

A maior parte das obras expostas vêm de coleções particulares raramente vistas, além de trabalhos públicos que nunca foram exibidos no Reino Unido. Cada um dos artistas é representado por pelo menos 10 obras .

Apresentamos alguns dos artistas que compõem a exposição.

Brasil! Brasil! The Birth of Modernism
28 January - 21 April 2025
Royal Academy of Arts

Opening times
Monday: closed
Tuesday–Sunday: 10am–6pm 
Friday: 10am–9pm 

Burlington House entrance
Piccadilly, W1J 0BD

Burlington Gardens entrance
6 Burlington Gardens, W1S 3ET

Melania Trump,

Das Passarelas À Casa Branca 

Nascida Melania Knauss em 26 de abril de 1970, em um modesto bairro de uma pequena  cidade eslovena, então um dos países da República Federal Socialista da Iugoslavia (RSFJ) .

Ela comecou sua carreira de modelo as 16 anos  e logo conquistou Paris e Milão.
Em 1996 ela migrou para os Estados Unidos e continuou como modelo em Manhattan.

Melania Knaus e Donald Trump se conheceram em 1998 durante a Semana da Moda de Nova York, mas só começaram a namorar em 1999.

Casamento

O Casamento aconteceu em 22 de janeiro de 2005, na Igreja Episcopal de Palm Beach. O vestido usado por Melania era da grife Christian Dior. Ela é a terceira mulher de Donald Trump.

O Estilo de Melania Trump

Tornou-se uma personagem de interesse internacional, desde a sua chegada a Casa Branca em 2016 e pela sua relevância política, Melania Trump tornou-se uma referencia de estilo.

Sempre atenta as tendências , por vezes minimalistas mas sempre femininas aposta nos novos talentos.

Brasil! Brasil!
O Nascimento do Modernismo.

Quem é o estilista 
que vestiu Melania Trump ?

Herve Pierre Braillard
É um estilista e figurinista Franco-Americano. Em 1987 recebeu o primeiro premio Christian Dior do Comitê Colbert.

Herve Pierre é o fashion Designer de quatro ex-primeiras-damas dos Estados Unidos desde a década de 1990: Hillary Clinton, Laura Bush , Michelle Obama e Melania Trump.

Primark

Onde a Moda e o Preço fazem a Diferença

Origem 

Fundada na Irlanda em 1969 sob o nome de Penney’s, a Primark tem como objetivo  oferecer opções a preço acessíveis para todos, desde artigo básico do dia a dia de alta qualidade até estilos  diferenciados para mulheres, homens e criança, bem como produtos de beleza e artigos para casa e acessórios.

Fundador (Arthur Ryan)

(1935-2019)
Arthur Ryan tornou a moda acessível a todos e o seu legado é surpreendente. Edificou uma empresa de venda a retalho fenomenal à escala mundial, cujos alicerces pertencerão sempre à Irlanda.

Focada em oferecer experiências de compra em loja, a Primark tem mais de 450 lojas em todo o mundo e continua a expandir-se em mercados novos existentes.

A Primark consegue oferecer preços baixos porque importa peças em grande quantidades de países como a China e Tailândia

Primark Moda Sustentável 

A Primark está a trabalhar para tornar a moda mais sustentável e acessível a todos. A ambição da Primark é dar uma maior durabilidade às roupas, proteger a vida no planeta e melhorar a subsistência das pessoas que fabricam os produtos Primark. Nesse sentido, revelou uma série de compromissos em que está a trabalhar para atingir até 2030. Estes incluem produzir todas as suas roupas com materiais reciclados ou de origem mais sustentável, garantir que as roupas são recicláveis, reduzir as emissões de carbono para metade ao longo da cadeia de valor e lutar por um salário digno para os trabalhadores

Curiosidades sobre a Primark

Em 2015 a Primark vendeu 405 milhões de pares de meias e mais de 260 milhões de T-Shirts

É a cadeia de vestuário número 01 de vendas em Portugal, que no ano passado registrou a maior percentagem de clientes repetidores, como revela o “Kanta World Panel” especialista no comportamento do consumidor.

Primark em Madri (a maior da Espanha) fatura 4 milhões de euros por dia.

Primark vende

Roupas de Cama, Mesa e Banho e artigos de decoração.

Roupas masculinas

Roupas femininas (na vitrine o começo da troca do inverno pela primavera que chega em 21 de março)

Moda infantil 

Acessórios 

Cosméticos e Maquiagem 

A maior Primark do mundo

A maior Primark do mundo fica na cidade de Manchester (Inglaterra) e tem 14.400 metros quadrados divididos em 3 pisos. A loja abriu em 2013.

A segunda maior é em Madri na Gran Via com 12.000 metros quadrados.

“Todo mundo deseja se vestir bem, ser muito chique e estilosa. E na hora H, falta dinheiro para investir no próprio guarda-roupa. Mas será que se vestir bem tem mesmo a ver com o quanto se gasta?”
Pense sobre isto!

“Benjamin Shine

O Artista  Têxtil que da vida ao tule”

Benjamin Shine é um artista, designer e inventor britânico. Ele estudou Designer de Moda no “Surrey Institute of Art and Design” e depois na St. Martins em Londres antes de abrir se próprio estúdio de design.

As realizações artísticas de Shine lhe renderam, o reconhecimento de Instituições artísticas de prestígio em todo mundo, incluindo o metropolitan Museum of Arts and Design de New York, o Crafts Council UK e o London Design Museum.

Suas Obras

As criações de Benjamin Shine feitas com tecido de tule, chamam atenção pela beleza e leveza, mas também possuem uma crítica social por trás.

O tule é um dos tecidos mais versáteis que existe.Geralmente é usado para dar volume e dramaticidade a vestidos e outras criações. Nas mãos do designer Benjamin Shine, o tule ganha outra função.

É impressionante como as obras têm personalidade, sendo quase pinturas feitas de tecido. Com sobreposição de tule, o artista consegue alcançar diferentes tons e sombras, caracterizando os detalhes das criações.

Para fixar o tecido e criar as formas o designer usa o ferro quente  em cima do tule dobrado.

Exposição na Bergdorf Goodman em NY

A exibição na Bergdorf Goodman em NY foi batizada de “Seeing Through The Material“ (vendo além do material, em tradução livre) e segundo Benjamin Shine, seu intuito era investigar o superficial e o espiritual.

Na loja cada criação  foi disposta na vitrine combinando com as roupas do manequim.

“Estou  muito feliz com essa Exibição na Bergdorf Goodman em NY. É uma coleção que representam um mundo de energia, pensamentos e emoções“ disse Shine .

Quadros de Personalidades

Ele também criou uma série de quadros de Personalidades famosas como Andy Warhol, Elizabeth Taylor, Princesa Diana e muitos outros.

”Estou cada vez mais interessado em estudar como cultivamos e mantemos um senso de verdade própria em tempo de materialismo e distrações em massa. Eu pretendo inspirar nas pessoas um momento de auto-reflexão“
Benjamin  Shine

Costanza Pascolato

A Papisa Da Moda

Um verdadeiro ícone! Ao pensar em Costanza Pascolato, algumas características se destacam, como elegância e sofisticação. Considera-da a “Papisa da Moda”, a Consultora e Empresária se consolidou como uma referencia no ramo e hoje com 85 anos se como uma grande inspiração de estilo.

Nascida em Siena, em uma família aristocrática, Costanza veio para o Brasil enquanto tinha 5 anos e, desde pequena, Pascolato respirou moda. Em solo Nacional, sua mãe, Gabriela criou a “ Santa constância” que se tornou uma referência em tecidos finos e sofisticados, no Setor Têxtil do Brasil.

Casamento

Casou em 1962 com um belíssimo vestido do designer espanhol Cristobal Balenciaga. A responsável pela tarefa de concluir o vestido foi a costureira do Ateliê de Balenciaga a espanhola Corinna que veio ao Brasil.  “Ela montou o vestido em cima do meu corpo“ disse Pascolato.

Para completar o “Look Bridal” a noiva usou um véu veneziano de 150 anos, herança de sua bisavó enviado pela tia que morava no Canadá.

Costanza sempre repetia falas de Balenciaga: “ Formas e Proporção: Elimine o decorativo para afeiçoar o corte”

Costanza e a Moda

Costanza trabalha na indústria da Moda desde 1971. É autora de 5 livros, passou pelas revistas Cláudia, Cláudia Moda e Vogue (onde mantém uma coluna até hoje) e pela Folha de São Paulo.

Costanza tem uma parceria com a HStern de três décadas. Nos anos 1990, fez parte da expansão e crescimento internacional da Joalheria.
“As mulheres estavam começando a ganhar dinheiro por conta própria. Então desenhei peças diretamente para as mulheres, e não para os homens darem para elas. Foi uma revolução“ disse Costanza.

Presta consultoria para a gigante do E-Commerce Shop2gethet através da sua empresa.

SantaConstancia

A Empresa foi fundada por seus pais na década de 1940.
Em 1987, foi chamada para trabalhar na Empresa da família a tecelagem Santa Constancia. Por quase 30 anos atuou como consultora criativa.

Frases de Costanza Pascolato 

“O segredo é nunca levar tão a sério e não acreditar tanto na pessoa que a gente cria. É conhecer a nossa essência e manter a alma no comando, não na personagem“

“Vivi as experiências necessárias para me tornar um ser humano interessante”

“Não tenho medo de incluir cores vibrantes nas minhas produções”

“Look preto e branco trazem elegância e requinte”

Os Vestidos Vermelhos

Mais Icônicos da História da Moda 

Vermelho é a cor do amor e energia  e é a cor do Natal.
O vermelho vestiu algumas das divas mais lembradas da Sétima Arte, também da Realeza e até hoje, é um dos tons mais repetidos nos tapetes que usam o mesmo tom bem escarlate.
Revisamos os estilos mais destacados:

Audrey Hepburn
No filme Funny Face de Stanley Donen (1957)

Princesa Diana
(A princesa de Gales no Avant Premiere do Filme ”Quando Harry encontrou Sally)

Marilyn Monroe e Jane Russel 
(com vestidos de lantejoulas em “Os homens preferem as Loiras)

Os Vestidos Vermelhos

Mais Icônicos da História da Moda 

Grace Kelly
(No Gala da Cruz Vermelha 1976)

Jackie Kennedy 

Kate Middleton 

Julia Roberts
(Pretty Woman)

Meghan Markel
(Royal Albert Hall em 2020)

Bella Hadid 
(Cannes 2016)

Nicole Kidman
(Oscars 2007)

Emma Stone
(do filme Gangster Squad)

Irina Shayk

O Vermelho Valentino

Valentino entre suas propostas mais famosas ( e bem sucedidas)ele incentivou a paixão pelo vermelho, lançando vestidos e coleções que se tornaram verdadeiras odes à cor.

“Quando você vê uma mulher em um lindo vestido vermelho, è algo especial“ 
Valentino

Feliz Natal

Premios de Moda Britânica 2024
(British Fashion Awards 2024)

Este ano, seis designers concorreram ao prêmio mais prestigiado da noite - O designer do ano.

O prêmio reconhece um designer britânico ou internacional cujo trabalho teve “Impacto notável na indústria “.
1-Clemens Kamala pela Chloe
2-John Galliano pela Maison Magela
3-Jonathan Anderson pelo JW Anderson &Loewe
4-Miuccia Prada pela Miu Miu
5-Pieta Mulier pela Alaia
6-Rick Owen’s pelo Rick Owen’s

Jonathan Anderson  ganhou o designer do ano.

Alex Consan foi o primeiro trans a ganhar o modelo do ano

Rihanna e Asap roubaram a cena no red carpet British Fashion awards 2024
ASAP Rocky recebeu o prêmio de “Inovador Cultural“ concedido pelo conselho da Fundação do Conselho cultural da moda britânica.

As irmãs Spencer fizeram uma homenagem a sua tia Princesa Diana

Premios de Moda Britânica 2024
(British Fashion Awards 2024)

O Luxo Do Sertão

Mestre Expedito Seleiro.

Expedito Veloso de Carvalho nasceu em Arneiroz, Sertão  Cearense, começou a trabalhar com couro aos 8 anos de idade, auxiliando o pai, vaqueiro e seleiro na confecção de selas, gibões e outras peças típicas do Sertão Nordestino.

Seu pai Raimundo Pinto de Carvalho, Raimundo Seleiro,criou uma sandália diferente para Lampião, Corisco e seus cangaçeiros, com sola retangular para despistar pregadas.A partir daí tudo mudou.

Acima as Sandálias com solado retangular ( criada para o bando de Lampião)

Com a morte do pai em 1971, Expedito levou todos os irmãos para a cidade de Nova Olinda, na Chapada do Araripe, Sul do Ceará e criou uma associação Familiar.

De lá saíram Selas, itens do vestiu, acessórios e mobiliários, tudo em couro manualmente trabalhado, numa Tião de detalhes que só vendo para crer.

Seguindo os ensinamentos do pai, Raimundo Seleiro, ele usou pigmentos naturais e técnicas de tingimento de couro e assim, descobriu o Angico que tinge o marrom, o Urucum que traz o vermelho, a Cinza da Capimbeiro que colore de branco, a lama que traz o preto.

O Auto da Compadecida 

Nos anos 2000 veio o primeiro chamado para a fama. O artesão teve peças incluídas no figurino do filme “O Auto da Compadecida“ do diretor Guel Arraes. Nos anos 2000 São Paulo Fashion week

Em 2005, criou calçados e acessórios para o desfile da “Cavalera” verão 2006 no São Paulo Fashion Week

Marques de Sapucaí 

Na Marques de Sapucaí em Marco no carro alegórico da Escola de Samba “União da Ilha do Governador“

Troféu Sereia de Ouro 2019

O mestre produzindo os seus arabescos.

Exposição na Embaixada de Londres

Em 2011 recebeu a ordem do mérito cultural na classe de comendador conferida pelo Presidente da República Federativa do Brasil, pela sua contribuição a cultura brasileira.

Muito Alem do Sol e Mar: A arte de Expedito Seleiro

Expedito é um criador nato, que demonstra excelência em seu trabalho.Suas peças são renomadas e reinventadas ao longo de sua carreira, e o mestre tem plena consciência desse processo.

As obras do Expedito Seleiro não necessitam de assinatura pois sua identidade visual é reconhecida.

A Trajetória da Estilista Diane Von Furstenberg

a Criadora do “Wrap Dress”(Vestido Envelope)

Considerada a mulher mais famosa e comercial da moda desde Coco Chanel, sua jornada tomou proporções estratosféricas com a criação de uma peça icônica, “O vestido Wrap”.

Diane Simone Michelle Halfin, nasceu em Bruxelas, 31 de dezembro de 1946 (79 anos). Seus pais imigrantes judeus, ele veio da Romênia e ela da Grécia. Sua mãe, Lilly uma sobrevivente do Holocausto, passou mais de um ano em Auschwitz.

A adolescência foi passada em colégios internos; ingressando na faculdade primeiro em Madri para cursar espanhol e depois transferida para a a Universidade de Genebra onde cursou economia.
Foi numa festa, durante os anos de estudante, que um encontro mudaria para sempre sua vida.

Conto de Fadas Atualizado

Diane conheceu o príncipe Egon Von Furstenberg em Genebra e rapidamente tornaram-se um casal. O Príncipe tinha o título devido à família da Alta Nobreza Germânica.Antes de oficializar a União ela procurou trabalhar como estagiária na fábrica de tecido de algodão de Ângelo Ferretti.

O casamento ocorreu em 1969 com a noiva grávida de 3 meses a bordo de um vestido Dior. Logo depois se mudaram para Nova Iorque. E depois passaram uma temporada na Itália

O Sonho Americano

Encontro organizado por seu marido com a lendária Editora de Moda Diana Vreeland, que daria o início na carreira como estilista de roupas femininas.
Munida de uma mala cheia de vestidos estampados confeccionados em seu período na Itália, a agora princesa apresentou suas peças a Vreeland.

O Final Do Casamento 

Príncipe e Princesa Von Fuerstenberg tiveram dois filhos, Alexandre e Tatiana mas o casamento terminaria uma década depois. Apesar disso a amizade continuou até o falecimento de Egon no início dos anos 2000.

O vestido Que Mudaria Tudo

A marca Diane Von Furstenberg foi lançada em 1970, mas foi um acontecimento em 1974 que mudaria a vida de Diane e o guarda-roupa feminino: A criação do vestido envelope ou Wrap Dress.

O Modelo

O modelo absolutamente atemporal, é uma peça democrática que cai bem em todos.  Os biotipos e idades, originalmente feito em Jersey, tecido confortável, maleável, que esculpe as formas e ainda tinha a vantagem de não amassar e ser perfeito para carregar na mala de viagem.

Concebido a partir de um top e uma saia diz Diana Von Furstenberg o top foi inspirado nas blusas que as bailarinas usam sobre seus tutus.

“Eu queria um vestidinho simples que valorizasse o corpo de uma mulher, então combinei o Wrap e a saia.

O vestido envelope (wrap) agradava mulheres de gosto e estilo de vida variados, indo do escritório à pista de dança, além de tudo, o preço acessível, em torno de 80 dólares, o tornou imbatível. Em 1976 25 mil unidades eram vendidas semanalmente.

Com o slogan “Feel like a woman, wear a dress“ - “Sinta-se mulher use um vestido”
O vestido envelope tornou-se um símbolo de uma mulher poderosa e bem sucedida.

Metropolitan Museum of Art

O vestido hoje faz parte da coleção Permanente do Metropolitan Museu of Art de NY.

Kate Middleton com um vestido envelope (wrap dress) de Diana Von Furstenberg.

A grife hoje

A designer vendeu seu negócio em 1984. Mas nos 90 decidiu ressuscitar o vestido envelope assim como sua carreira. 
“O renascimento foi realmente algo pessoal para mim” disse Diana 

Agradecimento:

A estilista Patrícia Juca minha querida amiga por ter sugerido o tema do meu post.

Íris Apfel

A História Por Trás Do Estilo Irreverente

Íris Apfel uma verdadeira lenda da moda, transcende as fronteiras convencionais do estilo e da expressão individual. Seu nome se tornou sinônimo de ousadia, criatividade e originalidade no mundo da moda.

Era conhecida por suas roupas e acessórios excêntricos mas também por seu profundo envolvimento no design de interiores, filantropia e influência cultural que ecoa através das décadas.

História 

1-Nascimento

Nasceu em 29 de agosto de 1921 em New York. Sua mãe possuía uma boutique e seu pai um negócio de importação.

2- Formação em Arte

Antes de se tornar uma figura de moda, Íris estudou arte na Universidade de Wisconsin e na Universidade de New York. E formou-se em Designs de Interiores.

3- Criação da Marca Old World Weavers

Casou -se com Carl Apfel e juntos se tornaram designers de interiores de sucesso. A Old World Weavers era uma empresa focada em emular tecidos de séculos passados (17,18,19) e era uma das empresas têxteis de luxo mais respeitadas do mundo.

4-Trabalho no Interior da Casa Branca

Íris trabalhou na Casa Branca durante nove administrações presidenciais dos EUA. Ela foi contratada para auxiliar na preservação de móveis Históricos e Tecidos dentro da residência oficial da Presidência da República.

5-Exposição no Metropolitan de New York em 2005.

O Metropolitan já havia exposto peças de coleções de estilistas, mas nunca guarda-roupas de uma pessoa.

O Instituto de Costume do Metropolitan de New York organiza uma retrospectiva com 82 looks e 300 acessórios.
A Exposição “ Rara Avis“ torna-se um emblema do mundo da moda a nível mundial.

6-Aos 84 anos torna-se modelo

Desde que seu apelo hipnótico foi descoberto com uma Exposição de suas roupas no Metropolitan de New York em 2005 - Revistas e marcas de moda colocaram os olhos nela.
E tudo isso se materializou em campanhas para a M.A.C, Gucci, Dior e outros.

7- Contratada pela mesma Agência de Gisele Bündchen

8- Citações 

“De repente me tornei uma estrela geriátrica, mas eu não estou fazendo nada diferente do que tenho feito nos últimos anos”

“Uma mulher pode ser bonita em qualquer idade. A mulher de hoje não quer parecer mais jovem, quer parecer o que é.”

“A aposentadoria é um destino pior que a morte”

“ O estilo é curiosidade e senso de humor”

“ O importante não é a festa , mas se vestir para ela”

8- Sua Morte

A dama da Alta Sociedade Nova-Iorquina e designer de interiores que nos últimos anos de vida impactou o mundo um estilo ousado que misturava Hippie, Vintage e Alta Costura e que encontrou tesouros nos mercados de pulgas e se deliciou com contradições, morreu em março deste ano em Palm Beach, Florida. 

Ela tinha 102 anos !

Tendencias do Outono/Inverno

Europeu 2024/25

Acessórios

Cores

Xadrez

Vermelho/ vinho

Animal Print

Estampa de zebra e de onça

Monocromático

Estilo Romântico

Na última temporada fomos inundados com laços, pérolas, tricôs e outras peças que remetem a uma estética ultra-romântica e feminino.Os laços continuam e as pérolas com uma linguagem mais moderna.

Saias A-line ao estilo anos 50

O “A-line” surgiu em 1955 quando Christian Dior apresentou a sua coleção para primavera. Foi na época, considerada a “silhueta“ mais procurada em Paris e, neste outono/inverno o efeito se repete ao redor do mundo.

Vestidos Retos

Vitrines de Londres

“A Trajetória de Tom Ford, o Estilista que

Revolucionou o Mercado de Luxo”

Biografia de Tom Ford
Tom Ford nasceu em 1962 em Austin , Texas.
Ele ingressou na Universidade de Nova York para estudar História da Arte e Atuação, mas depois de um ano foi transferido para a “Parsons School of Design“ onde estudou Arquitetura. Antes de se formar estagiou na área de comunicações da Chloe, em Paris.

Enfim, se decidiu pela carreira Fashion.  Ele concluiu que a Arquitetura era séria demais e que a Moda tinha o equilíbrio ideal entre a Arte e o Comercial.

Tom Ford / Gucci

Em 1990, Ford passou a viver na Itália: começava ali a sua carreira na “GUCCI”.  Ele foi contratado pela então diretora criativa Dawn Melo como designer de Prêt-à-Porter feminino da Gucci.

Crise na Gucci

A Gucci vivia um momento complicado por conta de brigas internas de administração. O polêmico assassinato de seu herdeiro e dificuldades em acompanhar as tendencias do mercado. Em 4 anos ele era o diretor criativo da marca.

Foi Tom Ford quem promoveu a extraordinária virada responsável por recuperar a relevância da marca, substituindo o minimalismo do início dos anos 1990 por looks retrô atualizados, que exalavam “SEX APPEAL”
TODOS QUERIAM VESTIR GUCCI NOVAMENTE.

Madonna vestiu Gucci no MTV Vídeo Awards de 1995 - E seu look não poderia parecer mais atualizado naquele momento.

No mesmo ano, 1995 Tom Ford recebeu o primeiro prêmio (de um total de cinco ao longo do tempo) do CFDA, o Council of Fashion Designers of America.

Tom Ford ainda expandiu a Empresa para uma série de novos empreendimentos - incluindo roupas esportivas, looks formais, sapatos e artigos de decoração.

Gucci / Yves Saint Laurent

Sob a liderança de Tom Ford, o Grupo Gucci adquiriu a Yves Saint Laurent e ele passou a atuar como diretor de criação e de comunicação da admirável grife francesa em paralelo com seu trabalho na Gucci.
Sergio Rossi, Bottega Vendeta, Balenciaga  

Saída do Grupo Gucci

Depois que a multinacional francesa PINAULT PRINTEMPS REDOUTE (agora Kering) comprou a GUCCI em 2004, Ford pediu demissão por desavenças - juntamente com o CEO Domenico de Sole. A Gucci naquele momento já era avaliada em 10 milhões de dólares.

A Abertura da Tom Ford

É claro que a essa altura Tom Ford já era uma lenda do mercado de luxo - e não ficou muito tempo afastado. Em abril de 2005, anunciou a criação da Marca Tom Ford.

Domenico de Sole, ex-CEO da Gucci, assumiu o posto de Presidente.

No mesmo ano, desenvolveu uma linha de óculos em parceria com o Grupo Marcolin e lançou a Tom Ford Beauty, apresentando uma fragrância com o Grupo Estee Lauder.

Em 2006 fechou parceria com a Ermenegildo Zegna para desenvolver a sua primeira coleção masculina de luxo, incluindo Ternos, Sapatos e Acessórios.

Tom Ford passou a desenhar terno para os Filmes de Daniel Craig OO7, iniciando uma associação da marca e filme que levou seu nome para fora dos círculos da moda.

Tom Ford Cineasta

Em 2008, ele decidiu embarcar em uma nova aventura artística, estreando como diretor de cinema com o filme “Singer Man”. 
Depois de comprar os direitos do Romance “Um Homem Só” de Christopher Isherwood entre outubro e novembro de 2008. O filme foi apresentado em competição no 66 Festival Internacional de Cinema de Veneza, onde foi bem

recebido.

A vida privada

Em 1986, ele começou um relacionamento com o jornalista inglês Richard Buckley, doze anos mais velho, que começou uma batalha contra o câncer em 1989.
Em setembro de 2012 eles anunciaram o nascimento do primeiro filho Alexander John Buckley Ford.
Buckley morreu em 2021 em Lós Angeles, aos 71 anos.

Frases

“Odeio ser copiado pela Zara” o design “egoista” por ser roubado pela High Street

“Londres é um lugar onde a excentricidade e a individualidade nas roupas são admiradas e respeitados… Os americanos tem o estilo”.

Farah Diba. O Estilo é a Arte

da Última Imperatriz do Irã

por Naura Cox

Ícone de sua época, sofisticada, moderna, ocidentalizada, Farah Pahlavi, a terceira mulher de Mohammad Reza Pahlavi, o último Xá do Irã, 19 anos mais nova, simbolizava a emancipação da mulher do mundo Islâmico.

Era culta, independente. Tinha estudado arquitetura em Paris, coisa rara para uma mulher daquela época.

Quando casaram, em 1959, tinha então Farah Diba acabado de fazer 21 anos, desde logo a sua imagem foi copiada por mulheres do mundo inteiro e as fotografias do casal Pahlavi, sempre presentes no movimento do jet set internacional, encheram as páginas das revistas sociais do mundo, como uma reverência cosmopolitana e contemporânea da nova face do Irã.

A Coroação de Farah Diba

Em 1967 Farah foi a primeira Imperatriz do Irã coroada nos tempos modernos. “Quando ele me coroou, todas as mulheres do oriente Médio foram coroadas também, diz ela.

A Coroa

A coroa é considerada a mais espetacular da História: encomendada à Joalheria Van Cleef & Arpels pesa certa de dois quilos e tem 1.468 diamantes,36 esmeraldas, 36 rubis, 105 pérolas e, no centro uma esmeralda de 150 quilates.  Está hoje no protegidissimo cofre do Banco Central do Irã, assim como a maioria das joias imperiais.

Durante os 23 anos que durou o seu reinado ao lado de Reza Pahlavi-que a coroou Imperatriz e lhe deu o título de Shahbanu-participou ativamente nas reformas estruturais e na Construção do progresso e da modernização de um país de tradições ancestrais, que vivia ainda num sistema quase feudal.

Durante as décadas de 60 e 70 do século XX, as mulheres tiveram pela primeira vez o direito de votar e de poder exercer cargos políticos e nas cidades elas ocuparam cargos públicos, sem véu e de mini-saia, como as jovens ocidentais.

O Exilio

Após a revolução islâmica liderada pelo aiatolá KHOMEINI em janeiro de 1979, a família PAHLAVI teve que partir para o exílio. Farah acompanhou o Xá no exílio em Marrocos, Bahamas, México e Egito, onde foram acolhidos pelo Presidente Anwar em-Sad e onde finalmente morreu de câncer em 27 de julho de 1980.

O Legado Artísticos e Cultural de Farah Diba

A parte mais valiosa são mais de 200 pinturas e esculturas modernistas e impressionistas que foi escondido durante muito tempo da República Islâmica com o valor de milhões de dólares são mostrados agora no museu de Arte Contemporânea de Teheran.

O museu de Arte Contemporânea de Teerã é um dos museus mais importantes do Irã. Foi inaugurado em 1977, a partir do acervo adquirido pela Imperatriz Farah Diba Pahlavi pouco antes da queda da monarquia.
A maestria de MarcelDuchamp, Andy Warhol, Mark Rothko, Paul Gauguin, Fernand Leger, Pablo Picasso, entres outros, que agora pode ser admirada.

Obras proibidas

algumas obras foram proibidas os nus de Renoir e Francis Baco.

“Pensei que devíamos ter um museu onde os jovens artistas iranianos pudessem expor, mas depois pensei: Porque não ter também arte estrangeira e não apenas arte iraniana?“
Farah Diba